We kindly inform you that, as long as the subject affiliation of our 300.000+ articles is in progress, you might get unsufficient or no results on your third level or second level search. In this case, please broaden your search criteria.
Ernst Honigberger (1885 Brașov - 1974 Wehr/RFG) – un artist plastic aproape uitat. Exponent al celei de-a doua generații de artiști moderni sași, Ernst Honigberger s-a născut la Brașov, într-o familie în care artele au jucat un rol important. În timpul liceului a frecventat atelierele pictorilor Arthur Coulin (1869-1912) și Friedrich Miess (1854-1935). În 1905 a plecat la studii la Berlin, unde a urmat timp de două semestre Academia de Artă. De la Berlin s-a mutat la München, unde a urmat cursurile „Școlii particulare de grafică” a lui Moritz Heymann, școală frecventată și de conaționalii săi Hans Eder (1883-1955) și Walther Teutsch (1881-1964), iar mai târziu de Trude Schullerus (1889-1981) și Grete Csaki-Copony (1893-1990). Ultimul an de studii l-a petrecut la Academia de Artă din München, oraș în care a lucrat până la izbucnirea Primului Război Mondial. În ciuda distanței la care s-a aflat, a fost adesea prezent la expozițiile din Brașov și Sibiu. În 1912, când a avut loc o controversă aprinsă pe tema vânzării tabloului „Omul cu tichia albastră” din colecția Brukenthal, pentru suma de 1.000.000 de florini, Ernst Honigberger a fost cel mai aprig adept al înstrăinării tabloului. Dorea acest lucru pentru a scăpa muzeul de dificultăți financiare și totodată visa amenajarea unei galerii moderne, cu lucrări autohtone și străine. După război, în care a luptat pe fronturile din Galiția, Polonia, Tirolul de Sud și Serbia, s-a întors la Brașov, unde a fost membru al societăților „Das Ziel” și „Das neue Ziel”. Acestea au editat reviste culturale și au organizat expoziții de artă. În 1921 artistul s-a stabilit la Berlin, unde a avut o activitate prodigioasă. A revenit de mai multe ori în țara, participând la expoziții de grup și organizând personale. În 1943 locuința și atelierul lui din Berlin au fost distruse în bombardament, ceea ce a dus la pierderea unui număr însemnat de opere de artă. Familia s-a stabilit în localitatea Wehr din Baden, unde a deschis o școală de muzică și arte plastice. Ernst Honigberger a murit în 1974, la Wehr. A fost un artist complex, care în devenirea sa a receptat influența tuturor stilurilor practicate în spațiul lingvistic german – de la realismul de factură müncheneză, la Jugendstil, expresionism, noua obiectivitate și realismul antichizant al „noii arte germane”. După dispariția revistei culturale „Klingsor” (1924-1939, Brașov), artistul a dispărut din câmpul vizual al criticilor de artă transilvăneni, iar apariția „Cortinei de fier”, după sfârșitul celui de-al Doilea Război Mondial, n-a mai permis stabilirea de relații cu cei din străinătate, expunerea lucrărilor acestora fiind interzisă.
More...
Întâlniri pariziene – Osvaldo Licini și Constantin Brâncuși. Osvaldo Licini (Monte Vidon Corrado, 1894-1958) a fost unul dintre exponenții abstracționismului italian ai anilor Treizeci, în 1958 fiind distins cu Marele premiu internațional de pictură la ediția XXIX a Bienalei de la Veneția. Studiul cercetează momentul în care artistul a abandonat naturalismul care în anii douăzeci a caracterizat picturile sale, explorând sugestiile emotive, influențele culturale și referințele artistice - între care este decisivă cea a lui Constantin Brâncuși - care între 1932-1933 au contribuit la începutul perioadei abstracte din pictura sa. Prima pictură non figurativă care se cunoaște este Un uccello (O pasăre) (Ulei pe pânză cm. 67×90) care se știe că a fost inclusă în colecția secolului XX italian a Muzeului din Moscova dar care s-a pierdut. Autorul însuși a oferit știri despre faptul că opera a fost realizată în cursul lunii decembrie a anului 1932, la întoarcerea din Suedia și după o oprire la Paris, că ea avea „90×63”, că se contura „din întâlnirea calculată a trei triunghiuri (alb roșu și negru) pe aceeași linie” și că a fost pictată împreună cu o altă pânză de format A4 minor (circa 20×30). Recunoașterea efectuată pe picturi care prezintă caracteristici corespunzătoare descrierii a dus la concluzia că aceeași temă a fost dezvoltată în format orizontal, care se găsește și în Un Uccello 2 (O pasăre 2) (expusă în 1935), și în formatul vertical în care se prezintă operele cunoscute sub titlul Il bilico (Echilibrul). O astfel de constatare a permis să se localizeze în sculptura lui Brâncuși Uccello nello spazio, (Pasăre în spațiu), mai cu seamă în versiunea din 1923 aflată la Muzeul Metropolitan din New York, referința inițială din care se trage subiectul comun al celor două titluri. Știrea biografică care documentează relația de încredere și prietenie legată de Licini cu Amedeo Modigliani în anul 1917 și repetatele sale vizite la Paris între anii 1921-1926, face plauzibilă cunoașterea personală și directă a lui Brâncuși, și prin ea posibilitatea admiterii în atelierul sculptorului chiar și după dispariția cunoștinței comune. Studiul surprinde motivația opțiunii antinaturaliste a lui Osvaldo Licini în condițiile interferenței tot mai mari a politicii în viața artistică italiană și prilejul decisiv pentru realizarea unei astfel de schimbări printr-o experiență în Suedia, care a fost povestită de el însuși într-o scrisoare plină de emoție, pe care el a încercat să o transpună într-un tablou naturalist. Odată identificat, studiul reconstruiește următoarele reelaborări abstracte prin care pictorul, de-a lungul anului 1933, a reușit să elibereze propriul limbaj expresiv de modelul brâncușian. Următoarea analiză critică se referă la particularitatea poeticii liciniene conform atenției pe care i-o acordă revista condusă de Georges Bataille «Documents», care ia în considerare anomalia sa în contextul abstracționismului italian al anilor Treizeci identificând motivul în componenta narativă care, precum în cazul lui Brâncuși, menține acel realism subînțeles care distinge opera amândurora de abstracționism în sensul său strict. Întâlnirea cu ilustrațiile lui André Masson în ediția din L’anus solaire de Battaile prezentată la Paris în noiembrie 1931 a stimulat reflecții personale asupra lecției batalliene care l-au condus pe Licini să mediteze asupra unui mit popular foarte răspândit în peisajul antropologic al locului său de reședință. Acest motiv de apropiere de Brâncuși (în legătură cu care este cunoscută atenția acordată artizanatului popular și patrimoniului legendar al folclorului românesc) este dezvoltat de către pictor într-un mod prin care se distanțează de poetica sculptorului, căreia îi este străină componenta psihologică în legătură cu care se face referire la motivele imposibilității de a cerceta infernul (cât și înălțimea cerului) și a motivației erotice care în opera lui Licini au primit o mare importanță. Figura Pulsione, care în anii următori va caracteriza opera sa, este deja protagonistă în Schemi astratti su fondo rosso /Scherzo (1933)(Scheme abstracte pe fond roșu/ Glumă), pictură în care studiul propune recunoașterea etapei următoare a procesului de contaminare a temei sugestive a experienței suedeze cu limbajul formal provenit din revizitarea lucrării Uccello nello spazio (Pasăre în spațiu). Nu este acesta singurul element de decalaj față de poetica brâncușiană, având în vedere faptul că în timp ce biografia și opera sculptorului este străină de evenimentele istorice, pictorul în schimb, care la sfârșitul anilor douăzeci a respins naturalismul și datorită gestiunii politice în activitatea artistică, în deceniul 1946-56 și-a asumat rolul de prim cetățean în micul sat de reședință.
More...
The study discusses Péter Bodor’s oeuvre , a brilliant and versatile master, who lived in the first half of the 19th century and was imprisoned multiple times. It summarizes the bu il ding process of his singing fountain in Târgu Mureş and presents the creations of Bodor, realized at various baronial courts throughout Transylvania, as well as his house and garden in Târgu Mureş. Based on an inventory, the author illustrates that Bodor had theoretical interests in the field of technological sciences, while also presenting his expertise in hydraulics, mechanics, land survey connected to bu il ding organs and musical structures. The study emphasizes that Bodor’s knowledge had evolved in interaction with the scientific knowledge of modern Europe, so that it can hardly be interpreted as a manifestation of an indigenous natural talent.
More...
Words of recognition for the Bulgarian painter Ivaylo Mirchev. The Bulgarian painter Desislava Mincheva is talking about his artistic development and his personal traits.
More...
With the aesthetical project in mind of composing a theatre à lawell-tempered clavichord (Clavecin bien tempéré du théâtre), Jean Tardieumanages to achieve it due to a couple of oxymoronic gestures, that isdiairesis and sunagôgè. If the former suggests an irreverent theatre (theresult of the re-writing of a series of transformational operations and ofdemystification of the collective imaginary) with a major focus on obsoleteparadigms (vaudeville, bourgeois drama, boulevard drama), the latter israther a matter of revisiting or transvaluating these hypotexts in the mannerof, say, Matéï Visniec’s theatre. Space, time, language and charactersundergo some distortion in order to highlight an outworn scenic chronotope,an old world, and to refer to theatre itself in a self-referential gesture. Whileshowing us to the lounge, certain rough sketches would make the spectatorconsider a dynamic interpretation performed in Diderot’s, Labiche’s or inFeydeau’s time, but this topos has nothing to do with the function mimingoffstage workings, since it merely provides a theatrical convention. Thespectator, receiver of a didascalic paratext with a metatextual scent,becomes an accomplice in this act of théâtromageiros.
More...
No images of the seal owners are known so far. In this regard it is very interesting to study the seals of prince of Tmurakan’ Oleg – Michael and the monk of the st. Tarasios monastery in Constantinople – Zosima. Their moulds were made in Constantinople at the end of 11th century. On the first seal the prince is presented in proskynesis before his holy protector, archangel Michael, as a warrior standing frontally. On the second seal the monk kneels before the holy patriarch Tarasios as adorant. Both compositions have many analogues in the Byzantine painting and applied art. But there is no explanation about the absence of this composition in Byzantine sphragistics.
More...
The proposed article deals with the semantics of the motive of the sunflower and its seeds in several sculptural representations, such as Seeds Market Woman in Minsk (Belarus), Sunflowers in the town of Havsa (Turkey), Seed shell in Bucharest (Romania), installation porcelain Sunflower seeds in the London gallery Tate Modern (Great Britain), made up of sunflowers seeds Portrait of Ai Weiwei (Shanghai, China) and rural culture (including culinary) conceptualization of sunflower in Bulgaria. In the course of the discussion, various accompanying contexts such as the the habit of gnawing seeds, Chinese posters and the features of linguistic identifications are taken into account.
More...
The second Bulgarian capital Veliki Preslav is related with some of the most significant moments in the Bulgarian national fate during 9th century AD. It is the starting point of the Conversion to Orthodoxy, the Enlightenment of the Slavs, the creation and distribution of the Cyrillic alphabet, the Golden Age of Tsar Simeon I, etc. Event after the end of the First and the Second Bulgarian states the regal aura of the second Bulgarian capital Preslav as a symbol of our glorious past did not fade away. Perhaps for this reason, in the midst of the 19th century its majesty has become a part of the artistic toolkit of the Bulgarian National Revival Period art. Since 1864, Preslav has found its place in the iconography scheme of SS. Cyril and Methodius, but an image of it can be seen also at an unusual place - as a part of the landscape between SS. Apostles Peter and Paul in an icon painted in 1885 by the iconographer Nikola Vassilev from Shumen. Vasilev is the Revival Period painter who most actively portrays the Old Bulgarian capital in his icons of the Holy Brothers, adding curious elements to the city’s landscapes, so much of this study is dedicated to the analysis of his works. Originally presented as a fantastic 9th century landscape the image of Preslav in the Bulgarian iconography gradually changes to an image of a modern 19th century town. The main contribution to this process is the work of Nikola Vasilev from Shumen who painted the old capital ten times between 1869 and 1896. In 1885, he represented it for the first time as a realistic 19th century urban landscape combined with historical elements that remind of the glorious past of Preslav ten centuries ago. We have to say that in 1885 Vasilev included the landscape of Preslav in two of his icons - one of SS. Cyril and Methodius and another one of SS. Apostles Peter and Paul – something that cannot be seen in the works of any other Bulgarian iconographer. However, his innovation did not end there, because in each of his subsequent icons of the Holy Brothers he elaborated his ideas about Preslav and interpreted its image according to the current historical circumstances. Thus, his last icon created in 1896 represents a realistic interpretation of a modern city with European outlook without ignoring of the elements of its historical background. It convinces the viewer that there is no difference between the grandeur of the old town from the 9th century and from the 19th century AD.
More...
One of the most popular photographic practices is that of street photography. It has an impressive history, representatives whose names have become legends and millions of fans around the world. This text is an attempt to create a summary of the photographic activities associated with the street. The aim is to systematize this observation throughout the past 180 years (the time of existence of the phenomenon of photography)with the help of diachronic analysis and to reach the first stage in its typology.
More...
In this article the art criticism theory of the influential German art historian Wilhelm Worringer (1881-1965) is considered. The main attention is focussed on the origin of the concepts of abstraction and empathy and on the methodology of their application. The anti-classical attitudes and rejection of Eurocenristic stereotypes in the analysis and assessment of pieces of art are concisely presented. The relatedness of Worringer’s theory to psychological aesthetics and to A. Riegl’s and K. Fiedler’s ideas is shown. Special attention is paid to the historical classification of art into primitive, classical and Eastern.
More...
The review of: Antanas Andrijauskas, Tradicinė Japonų estetika ir menas; Vilnius, Vaga, 2002, 670 p.
More...
This is a short presentation that introduces the reader with some basic principles and features of music theory teaching software, and in particular Practica Musica. Music instruction software is rare and relatively unknown in Bulgaria; while analysing its pros and cons, this article also discusses its suitability for Bulgaria, as well as music software teaching suitability in the region in general.
More...
Contemporary post-tonal music and its conflict with the ear have been thoroughly researched and training systems have been developed. Furthermore, composers themselves look for their theories on the essence of the musical êear’ to justify their musical experiments – a fact that is true only in this sphere. It is likely to remain disputable for a long time and listeners’ and professional musicians’ experience is going to develop in various directions. The paper outlines a range of comparatively established theoretical interpretations, as well as some suggestions on ear training. The paper interprets post-tonal ear training systems and reviews the interpretations of the dictation. Having summarized key guidelines in 20th century-music solfège, it primarily presents the notions of fragmented dictation, error dictation and dictation on parameters. The paper analyzes the opportunities for providing a maximum effectiveness in post-tonal music solfège training, which is a requirement and necessity in modern performing practice, as well as a considerable subject in the field of solfège.
More...
Korsakov’s theory about the false progressions beyond the boundaries of mode and circular modulations [ложные последовательности вне пределов строя и круговые модуляции], as cited from the first, lithographic edition of his Harmony Textbook [Учебник гармонии] (1884-1885) is the first link forming the theory of symmetric modes. It gives the key to understanding not only his discoveries, but also discoveries typologically related to the 19th century music. Korsakov introduces his own terminology, applicable today, based on his creative sense, that hints at a different way for musical thought to envelop, within the boundaries of false solutions. (Circle and sequence-like modulation, modulating sequence, false progressions through the circle of large thirds, false progressions through the circle of small thirds, whole-tone scale.) While interpreting chords within the new context of harmonic relations as being the essence of tonality, and equal-interval false progressions beyond the boundaries of mode as being the result of intertonal interaction, Korsakov manages to explain them adequately by means of his theory of key relations. While the theorist Korsakov becomes more conservative in his scientific discourse, 21 Вж. Римский-Корсаков, Николай. Полное собрание сочинений \ Т. IV доп. Литературные произведения и переписка. Москва: Музыка, 1970. 93 marginalizing further his theory of false progressions in his Practical Harmony Textbook [Практический учебник гармонии] (1886), Korsakov the composer becomes more creative and innovative in his late operas, discovering anew every time symmetric modal harmonic solutions. Korsakov the theorist bases his false progressions entirely on the vertical chord principle, but the evolution of his composers style points to affinity towards chromatics and linearism, often leading to polymodality and sharp dissonant vertical structures of linear origin. And while Korsakov the theorist (despite the novel character of his concept) always reasons from the standpoint of major and minor, Korsakov the composer finds his own original creative way in the same system, where constructivism and rationalization are particularly important part of composer technique. This is one of the creative paths with a great potential and significance of 20th century music.
More...
The text treats the thesis of the melodic origin of harmonic dissonances. The thesis of the need for an extensive use of implication as a logical structure when defining the dissonances in Palestrina’s style has been presented.
More...